Im Worcester Art Museum wird die Reise des Impressionismus von Frankreich in die USA verfolgt

WORCESTER – Anfang des Frühlings eröffnete das Worcester Art Museum „Frontiers of Impressionism“ und sah zu, wie die Massen hereinströmten. Impressionistische Malerei – diese revolutionäre französische Bewegung des späten 19. Jahrhunderts, die eine Million Kalender, Kaffeetassen und unzählige andere wild vermarktbare Produkte auf den Markt brachte Merch über Generationen hinweg – bleibt die unerschöpflichste erneuerbare Ressource der Kunstwelt, das sicherste aller Dinge. Um es mit einem Satz zu sagen: Wenn man sie aufhängt, kommen sie bestimmt.

Ich gebe zu, dass die Serie in dieser Zeit der Neuprüfung und Hinterfragung von allem in der Kultur etwas nicht mehr zeitgemäß ist. Unmittelbar nach der Fixierung der Barbizon-Ära auf die edlen Leiden des Landarbeiters, die von Künstlern wie Jean-François Millet verherrlicht wurde, können die Impressionisten als besessen vom bloßen Hübschen gelesen werden, so extravagant es auch gewesen sein mag.

„Grenzen des Impressionismus“ bietet keine Neubewertung der Prioritäten der Bewegung; es ist so fröhlich und schön, wie das Werk selbst sicherlich nur sein kann. Es beginnt mit „Hermit Creek Canyon“ des amerikanischen Malers DeWitt Parshall, einem hauchdünnen Blick von unten auf die vom Fluss geschnitzten Wände des Grand-Canyon-Ausläufers in blassen Ockertönen, überflutet von strahlendem Sonnenschein, ein Konfekt aus einem Gemälde, so reichhaltig und verwöhnend wie Schlagsahne. belegter Käsekuchen. Das ungenaue Datum lässt darauf schließen, dass Parshall 36 Jahre lang, von 1880 bis 1916, daran gearbeitet hat, eine Zeitspanne, die lose den Aufstieg und Fall des Impressionismus beschreibt und das Gemälde selbst zu einer passenden Einleitung macht. Die Ausstellung bietet eine praktische, geradlinige Erzählung über die Entwicklung des Impressionismus und seine schließliche Ankunft an den amerikanischen Küsten – das wäre die fragliche „Grenze“ – und wie er sich in die kulturelle DNA des Landes einfügte.

Die Ausstellung ist aber auch eine Gelegenheit, sich ein wenig zu putzen. Worcester gehörte zu den ersten Institutionen in den Vereinigten Staaten, die sich dem Impressionismus zuwandten, der von einem Establishment, das noch immer dem klar wiedergegebenen romantischen Realismus verpflichtet war, zunächst als knallig, grob und disziplinlos abgetan wurde. Diese Tatsache macht das Museum gut gerüstet, um die Geschichte zu erzählen, ein Oldie, aber immer noch ein Leckerbissen: Fast alles hier, einschließlich Werke von Gustave Courbet, Jean-Baptiste-Camille Corot, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro und, ja, Claude Monet , mit einer ikonischen „Seerose“ aus dem Jahr 1908, stammt aus Worcesters eigener Sammlung. (Als das Museum 1896 eröffnet wurde, verfügte Worcester über einen großen industriellen Reichtum, der durch seine Textilfabriken und später durch die Maschinen- und Drahtproduktion generiert wurde.)

Wenn Sie Parshalls schaumige Schlucht um die Ecke biegen, befinden Sie sich im düsteren Vorfeld der freizügigen Experimente des Impressionismus mit Farben und Farben. Ich gebe zu, hier ist das, was mich fasziniert: Corots düstere Szene, in der eine einsame Seezunge in „Ein idyllischer Ort in Ville-d’Avray – Ein Fischer am Ufer des Teiches“ seine Angel in bleichen Gewässern auswirft. 1865–1870, oder sein dürftig benanntes „The Happy Valley“, das in denselben Jahren entstand, mit seinem blassen, grüblerischen Himmel und den zerlumpten Bäumen, die über einer einsamen Gestalt aufragen, die nur am Fleck seiner roten Mütze zu erkennen ist.

Corot, der die Barbizon-Sensibilität hervorbrachte, eine düstere Palette zu verwenden, um alltägliche Naturszenen und ländliche Arbeit zu würdigen, war kein Impressionist; Elegie war eher sein Stil, eine romantische Klage über eine Welt, die bald drastisch urbaner und durch industrielle Ambitionen verändert werden würde. Aber in der Lockerheit seiner Pinselführung, der sanften Auflösung von Zweigen und Himmel lauerte der Impressionismus.

Corot trug dazu bei, den Extravaganzen des Impressionismus Tür und Tor zu öffnen und eine freizügige Malerei zu ermöglichen. Im Jahr 1874 veranstaltete Monet, der als Schüler der Schule von Barbizon mit der Malerei begann (und ein Bewunderer von Corot und Millet), die erste impressionistische Ausstellung im Guerilla-Stil mit Mitverschwörern wie Pissarro, Renoir und Edgar Degas.

Die USA haben im Großen und Ganzen nur langsam die Herausforderung des Impressionismus an die klare, naturgöttliche Ästhetik des Landes angenommen, die durch die Künstler der Hudson River School, der ersten einheimischen Bewegung des Landes (Amerikaner George Inness‘ „Opposite the Palisades“, 1870, Teil dieser Ausstellung, fühlt sich an wie die ersten Anzeichen eines Abrutschens, eine Brücke von dort nach hier. Doch in den 1880er Jahren priesen Kunsthändler hier den Impressionismus als das nächste große Ding an, und er erfreute sich immer größerer Beliebtheit, was dazu führte, dass amerikanische Künstler in größerer Zahl den Ozean überquerten und ihn schließlich auf dieser Seite des Atlantiks in Mode brachten.

Mary Cassatt, die in Pennsylvania geborene Malerin, die in ihren Zwanzigern nach Paris zog und sich mit Degas anfreundete, war die einzige Amerikanerin, die 1879 zur vierten Impressionistenausstellung eingeladen wurde. Ihr „Reine Lefebvre hält ein nacktes Baby (Mutter und Kind)“ aus dem Jahr 1902- 1903, das hier hängt, war das erste ihrer Werke, das von einem amerikanischen Museum erworben wurde. Frank Weston Benson aus Salem, Massachusetts, wandte das, was er in Frankreich gelernt hatte, auf Porträts wie „Girl Playing Solitaire“ von 1909 an, wobei der trübe Blick des Motivs inmitten des brillanten, geschäftigen Schimmers und Faltenwurfs ihres silbernen Kleides und der vergoldeten Tapete schwebte. Childe Hassam, geboren in Boston, studierte an der renommierten Académie Julian in Paris und übernahm irgendwann Renoirs ehemaliges Studio. Sein „Frühstücksraum, Wintermorgen, New York“ aus dem Jahr 1911 mit seinem hellen Vorhangstoff, der den Schein des Sonnenlichts auf einer Vase mit verwelkten Tulpen und auf dem seidenblauen Kleid einer Frau, die eine Orange schält, filtert, ist ein Sinnbild der impressionistischen Faszination mit der Gelassenheit der Innenwelten inmitten des Tumults der aufkeimenden Urbanität.

Die Ausstellung erfordert sicherlich einige intuitive Schritte, um amerikanische Maler wie Winslow Homer und John Singer Sargent einzubeziehen. Ich würde Homer, der so trostlos ist, nie in dieses Lager einordnen, aber der hier gezeigte spontane gestische Elan von „Küste im Winter“ von 1892 liefert zumindest ein vernünftiges Argument. Sargent ist eine einfachere Linie: Er ist vor allem für seine melodramatischen Porträts und Gesellschaftsszenen bekannt, sein „Orangen auf Korfu“ aus dem Jahr 1909 ist eine sanfte Meereslandschaft, die von einem grünen Blätterdach gesäumt ist. Mit seinen energischen Farbtupfern kann man fast das Meeresrauschen hören oder die Blätterwedel im Vordergrund im Wind rascheln; Es fühlt sich an wie eine Hommage an Monet selbst, den Sargent verehrte, nachdem er ihn Jahrzehnte zuvor in Frankreich getroffen hatte. .

Aber „Frontiers of Impressionism“ leistet seine beste Arbeit wirklich an der Grenze. Es endet mit den größten Hits – Monet, Pissarro, Paul Cézanne und Louis-Eugène Boudin, der Monet bekanntlich den guten Rat gab, er solle versuchen, im Freien zu malen. Aber für mein Geld sind die Mutationen des Impressionismus in der amerikanischen Landschaft in gewisser Weise sein wahrstes Selbst.

Beim Impressionismus, dem ersten wirklich großen Ding der Moderne, ging es um Befreiung – nicht darum, die Welt so darzustellen, wie sie erschien, sondern so, wie sie sich auf eine zutiefst subjektive Weise anfühlte. Für mich bedeutete das immer, dass es wirklich keinen richtigen Weg gab, es zu tun, und es war unheimlich anregend, die Arbeit des unterschätzten Amerikaners John Henry Twachtman zu sehen, dessen grobe gestische Darstellungen von Landschaften mit kräftigen Strichen aus dickem Impasto eine wahrhaft amerikanische Revolution anzukündigen schienen im Abstrakten Expressionismus Jahrzehnte später. Wie auch immer man ihn nennen möchte, er ist einfach so gut – die donnernde Kaskade aus grollenden und sich sammelnden Farben in „The Waterfall“, etwa 1890, oder die gebleichte Schneelandschaft von „The Rapids, Yellowstone“, etwa 1890-99, wirken fast zügellos, gemacht, wie Monet es tat, mit dem Gedanken an Unmittelbarkeit und ohne Rücksicht auf die Mode.

Die Zukunft dringt kaum in die „Grenzen des Impressionismus“ ein, abgesehen von einem einzigen Werk von Georges Braque: den elektrisch gefärbten „Olivenbäumen“ von 1907. Es ist ein blinkendes Rot der Fauves wie Henri Matisse, die dem Impressionismus auf den Fersen sind, und die Umwälzungen von Surrealismus, Dadaismus und andere helle Schocks werden bald kommen. Der Impressionismus, im Großen und Ganzen, existierte kaum über die 1910er Jahre hinaus und stand zu diesem Zeitpunkt schon auf unglaubliche Weise neben dem aufsteigenden Kubismus, den Braque und sein Freund Pablo Picasso zum Tragen gebracht hatten. Aber sein revolutionärer Einfluss auf die Kultur lebt weiter und ist ein Tor zu einem uneingeschränkten Jeder-für-Alle, der seitdem in alle möglichen Richtungen führt.

GRENZEN DES Impressionismus

Bis 25. Juni. Worcester Art Museum, 55 Salisbury St., Worcester. 508-799-4406, www.worcesterart.org

Murray Whyte ist unter [email protected] erreichbar. Folgen Sie ihm auf Twitter @TheMurrayWhyte.